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EXPOSITIONS - VENTES

Jean François Laurent
Du 01-10-2021 au 31-12-2021
Jean-François Laurent – JFL est né à Lille en 1975. Il peint avec son propre style depuis 1997 principalement avec de la peinture à l’huile sur châssis de toile. Il est inspiré par les lumières, les couleurs et les transparences. Son travail est influencé par les œuvres de Lyonel Feininger, Robert Delaunay ou Constantin Brancusi. Dans ses tableaux, Jean-François Laurent cherche à transformer les perspectives et la lumière pour montrer l’invisible, l’interdépendance des choses, des êtres et des objets. Les lignes s’entrecroisent, se coupent, se déforment pour donner une composition très structurée et pourtant parfaitement libre et détachée des règles. Le sujet, allant du figuratif à l’abstraction totale, reste comme perceptible par l’observateur qui peut se projeter dans ces formes familières, tout en se laissant la possibilité d’y voir ce qu’il veut y voir, et de ressentir ce qu’il veut. La lumière et les ombres sont partout dans la toile, pour que de chaque point de vue, la compréhension du tableau soit différente. Sa touche est précise, il travaille avec peu de matière et avec une gamme de couleurs réduite. Il cherche ainsi à faire vibrer la toile, à la rendre comme vivante et sensible à son environnement. JFL cherche à ce que chaque tableau soit à redécouvrir à chaque instant, que celui qui l’observe se laisse attraper par la composition, par les couleurs, par le mouvement et qu’à chaque fois il se laisse toucher comme si c’était la première fois. JFL a suivi une formation généraliste en arts plastiques entre 7 et 21 ans. Ce parcours lui a permis d'apprendre différentes techniques : aquarelle, pastels, fusain, peinture à l’huile ou encore sculptures en terre cuite. JFL est également ingénieur en agriculture et il a exercé plusieurs années dans la recherche et le développement dans l'agro-alimentaire. Cette formation scientifique et son intérêt pour la nature se retrouvent dans son travail de peinture.
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Ayda-Su NUROGLU
Du 02-04-2021 au 31-08-2021
Ayda-Su NUROGLU est une artiste plasticienne, intervenante en arts plastiques et art-thérapeute franco-turque vivant entre Paris et Sète. Elle travaille le dessin et plus largement l’image, essentiellement au moyen de techniques d’impressions manuelles dans une dynamique graphique. Son travail s’élabore ainsi depuis plusieurs années au gré de projet d’exposition, d’ateliers pédagogiques, d’édition, de commandes graphiques et se développe sur des supports multiples. Les travaux d’Ayda-Su NUROGLU établissent, bien sûr, un dialogue entre l’Orient et l’Occident, que ce soit par les formes ou les sujets qui affleurent sourdement de ses oeuvres. Mais elle n’est pas une « artiste du monde » comme voudrait nous le faire penser son itinéraire personnel et professionnel et comme voudrait le faire penser l’époque. Elle est une artiste des mondes, des infra-mondes. Nullement conceptuelles, ses recherches font remonter à la surface du papier des visions envoûtantes et sensuelles enfouies dans des nœuds symboliques, eux-mêmes intériorisés et refoulés par l’individu, constitutif de son identité profonde. Les formes opaques, en pointillés, superposées de ses créations entrelacent les civilisations, les genres et les espèces. Ces œuvres sont sauvages et rétives à tous les récits civilisationnels ; ce que nous livre Ayda-Su Nuroglu c’est un paganisme qui nous saute aux yeux et au ventre. Son paganisme fait tomber la pseudo nature des êtres et des relations et nous rappelle nos illusions et nos pulsions qui vagabondent quelque part entre l’homme et l’animal. Elle fait partie des Collectifs d’Artistes de la Maison de la Gravure de la Méditerranée de Montpellier ; de l’Atelier aux Lilas pour l’Estampe et la Typographie et des Artistes de Ménilmontant.
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Franck LE BOULICAUT
Du 02-04-2021 au 31-08-2021
Franck LE BOULICAUT, artiste pluridisciplinaire, renoue depuis 2007 avec d'anciennes amours : la peinture. Ce créatif épris de lumière tente d'approcher à sa façon l'univers de ses nombreux modèles : Cézanne, Le Caravage, Sargent, Freud... Peint alla prima, ses tableaux aujourd'hui figuratifs, témoignent d'une rigueur dans l'équilibre de la composition - masses, placements, couleurs - et d'un goût affiché pour une certaine liberté dans la touche. Influencé par certains travaux de Betty Edwards Franck Le Boulicaut peint depuis 2013 ses tableaux à l'envers. Particulièrement efficace pour les portraits, cette méthode permet de s'affranchir de toute subjectivité en recentrant l'attention du peintre sur les seules directions, valeurs, couleurs et traitement. Sa palette, réduite aux seules couleurs primaires, confère à ses travaux un style immédiatement reconnaissable. Enfin, son insatiable curiosité lui permet d’explorer de façon décomplexée d’autres techniques propices à nourrir ses travaux : aquarelle, encre de Chine, acrylique, gouache et plus récemment pastel à l’huile dont la sélection présentée ici, au CIEM, témoigne. Membre de la Fondation Taylor et lauréat de nombreux concours il est représenté en Asie depuis 2018 par la galerie « Soleil-Art Gallery » à Taipei (Taiwan).
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Catherine COUDEVILLE de LANGHE
Du 04-01-2021 au 31-05-2021
Elève de l'école CEPIADE à Boulogne Billancourt en 2000 puis parcours autodidacte grâce à un travail sur des techniques mixtes mêlant toutes matières et peinture acrylique. Séjournant entre la France et le Maroc, j'expose ainsi dans divers lieux. La plupart des œuvres vendues furent acquises par des particuliers ou institutionnels en France comme à l'étranger : Maroc, Scandinavie et Italie par exemple. A l'occasion de l'exposition « Wilde Impak » de décembre 2016, la revue « Maroc d'exception » s'est fait l'écho du travail de CCDL (annexe 1). Lors de l'exposition au « Mathurin » les organisateurs ont communiqué sur cet événement (annexe 2).
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Christiane Dujardin
Du 16-09-2020 au 31-12-2020
Christiane Dujardin a découvert la peinture acrylique en 2008 lors d’une initiation au maniement du couteau à peindre qui lui a fait apprécier le contact et le mélange des couleurs acryliques. Ce fut une vraie révélation Elle a poursuivi la pratique de cette nouvelle passion en autodidacte et a fait du couteau à peindre sa spécialité en utilisant l’acrylique pure lui permettant de créer de grands aplats et de modeler des surfaces parfois épaisses, la petite touche au pinceau venant fixer parfois les détails tels que les personnages, les chiens ou les mouettes, donnant ainsi au tableau toute son échelle. Cette exposition intitulée « LES TOILES DE MERS » présente des oeuvres figuratives qui résultent pour la plupart d’un travail réalisé en deux temps : tout d’abord, au fil de ses promenades le long des rivages ou dans les marais, l’artiste photographie à l’envi des images qui deviendront dans un second temps le canevas de ses peintures réalisées en atelier. Il en résulte des tableaux, parfois minimalistes, mais toujours empreints de lumière et de légèreté, inspirant la quiétude propice à la rêverie du spectateur et rappelant avec bonheur, pour une grande partie d’entre nous, des moments de vacances familiales à la mer.
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Vincent Lithgow
Du 01-01-2020 au 30-04-2020
Vincent Lithgow, né en 1969, a reçu une formation en peinture classique aux ateliers du Carroussel du Louvre et a suivi également des cours à l'Ecole des Beaux Arts de Paris. Son atelier est actuellement en Pays d'Auge, à Beaufour Druval. Son travail se situe dans l'esprit de la Seconde Ecole de Paris, mouvement d'art pictural lyrique baptisé d' «abstraction chaude» car il regroupait en même temps l'idée d'une simplification de la forme jusqu'à une certaine géométrisation et un vrai travail de peintre lié à l'utilisation de la peinture à l'huile, matériau traditionnel. Des peintres comme Nicolas de Stael ou Pierre Soulages ont fait partie de ce mouvement. L:espace pictural est ainsi simplifié avec de véritables mélodies visuelles qu'il s'agit de déconnecter de tout travail figuratif, de toute représentation de la réalité. Comme pour la musique, ce sont les associations et les contrastes de couleur, de rythme, de matière qui constituent le fondement de l'esthétique, des émotions et des évocations. Ce vrai travail de peintre est donc celui d'un matiériste, coloriste, et plasticien. Il considère la matière et la couleur à travers la vie et les contrastes qu'elles proposent comme des éléments picturaux primordiaux constituant la « dramaturgie» de la toile et son expressivité. Il a réalisé plus d'une vingtaine d'expositions à ce jour depuis 2006 et a obtenu en 2012, une cote officielle internationale suite à une vente aux enchères d'une œuvre réalisée chez Artcurial. Vincent Lithgow est également Compositeur de Musique.
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Dominique Bastien
Du 01-09-2019 au 31-12-2019
Arrêter le temps Fixer une impression, un sentiment, un instant Expérimenter en toute liberté Libérer un geste Inventer des recettes Jouer avec l’eau et le charbon Se salir les mains Méditer Faire des choix Gérer l’imprévu Sauver la nature Exprimer un rythme Voyager Peindre
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François Binet
Du 02-05-2019 au 02-09-2019
François Binet est peintre et copiste au Louvre depuis plus de quinze ans. Ces dernières années, il renoue avec la peinture et dessin de paysage, intérieurs, nature morte et portrait.
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Claude Midas
Du 02-05-2019 au 02-09-2019
Architecte de formation, Claude Midas suit les cours d’aquarelle du peintre J.L. Morelle. Copiste au Louvre et à Orsay, il expose dans différents salons à Paris, en Province et à l’étranger. Il est primé à plusieurs reprises et crée des cartes de vœux pour de nombreuses sociétés.
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Jelena Petkovic
Du 01-02-2019 au 31-03-2019
Inspirée par les voyages dès mon plus jeune âge, en grandissant je me suis de plus en plus intéressé à la beauté des différentes cultures. Mes peintures représentent différentes régions et cultures du monde à travers le portrait de femmes, âmes divines et avatars de la beauté de nos différences. Ce qui m'inspire, c'est l'esthétique, les formes et surtout les couleurs. Pour conserver l'intensité des couleurs, j'applique la peinture à l'huile directement du tube sur la toile, sans les mélanger auparavant, ce qui leur donne luminosité et brillance, et me permet de conserver l'énergie brute de la couleur et de donner une sensation positive à mes peintures. J'utilise par ailleurs des formes géométriques pour exprimer les différentes facettes de l'humain. Inspirée par les voyages dès mon plus jeune âge, en grandissant je me suis de plus en plus intéressé à la beauté des différentes cultures. Voir comment parfois, en tant qu'êtres humains, nous manquons de tolérance et d'acceptation des différences m'a encore plus incité à mettre en valeur le meilleur des autres cultures. Mon travail actuel est le résultat de mon intention de dépeindre la beauté que je vois dans le monde. Mes peintures représentent différentes régions et cultures du monde à travers le portrait de femmes, âmes divines et avatars de la beauté de nos différences. Ce qui m'inspire, c'est l'esthétique, les formes et surtout les couleurs. Pour conserver l'intensité des couleurs, j'applique la peinture à l'huile directement du tube sur la toile, sans les mélanger auparavant, ce qui leur donne luminosité et brillance, et me permet de conserver l'énergie brute de la couleur et de donner une sensation positive à mes peintures. J'utilise par ailleurs des formes géométriques pour exprimer les différentes facettes de l'humain.
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Ina Palaicius-Lisnevsch
Du 02-01-2019 au 31-03-2019
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Guillaume Z
Du 01-09-2018 au 31-12-2018
Guillaume Z. Amoureux de la nature et des grands espaces, je me suis mis à la photographie sur le tard, il y a cinq ans. Mon arrivée sur la côte basco-landaise, région particulièrement photogénique pour ses paysages, mais aussi ses lumières et ses ambiances, a été comme un déclic. J'ai mis alors timidement le pied dans ce début de passion, sans me douter qu'elle deviendrait à ce point dévorante en l'espace de quelques années. Autodidacte, j'ai appris seul les bases de la photographie, et me suis également intéressé à la notion de matériel, afin de m'y retrouver dans ce vaste monde ouvert au grand public. Après m'être essayé à divers systèmes, j'ai finalement jeté mon dévolu sur le format Micro 4/3, offrant à mon sens le meilleur compromis pour le baroudeur que je suis. C'est donc équipé d'un boîtier Olympus EM5 et de quelques optiques allant de l'ultra grand angle au petit téléobjectif que je pars à la découverte des beautés de ma région et de ses alentours. La photographie est alors une finalité à mes explorations, à la découverte d'endroits reculés, de joyaux plus ou moins cachés, que je m'efforce de capter quand la météo et les lumières sont les plus favorables pour donner une ambiance à mes images. Côté technique, j'utilise beaucoup les filtres dégradés permettant de mieux gérer l'exposition de mes scènes, et surtout les filtres gris neutre, permettant des poses longues. C'est une façon de capter une image, non pas sur un bref instant, mais plutôt sur une période allant de quelques secondes à quelques minutes, offrant alors une vision du paysage souvent inattendue, invisible à l'oeil nu alors que c'est pourtant là, sous nos yeux. J'aime ainsi, par mes images, offrir aux lecteurs une autre vision, inhabituelle, des paysages qui nous entourent.
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Christian Cantos
Du 01-05-2018 au 31-08-2018
La peinture de CANTOS se caractérise par structuration de l'image au moyen d'un maillage total ou partiel de lignes et de formes anguleuses apparentes, de densité variable. Cette maniére originale produit un effet de mosaïque plus ou moins affirmé que renforce souvent le faible contraste de tons entre les unités géométriques. Les formes sont simplifiées et les figures stylisées. L'oeuvre s'alimente à trois sources principales : • les écrits apocalyptiques ou bibliques, référence récurrente et ferment d'une réflexion éthique ; • les épreuves de la vie des gens ordinaires, souvent autobiographiques ; • l'actualité géopolitique avec les questions philosophique qu'elle soulève.
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Marie Pierre Kuhn
Du 01-01-2018 au 30-04-2018
Les personnages occupent toujours la première place dans les tableaux de Marie- Pierre KUHN, particulièrement les personnages féminins. L'hommage à la femme revêt divers aspects mais est une constante indéniable de ses créations. L'utilisation gaie et tonique de la couleur nous laisse sur une impression d'amour pour la vie et de bienveillance envers les êtres humains.
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Christine Gruyelle-Bergier
Du 01-10-2017 au 31-12-2017
Femme passionnée, en 1994, je me suis formée dans un atelier pour apprendre les matières (marbres, pierres semis précieuses). Ce fut un coup de foudre entre la peinture et moi. Depuis plus de 30 ans, je consacre mon temps à la peinture. Mon amour et ma passion pour celle-ci l'ont rendu indispensable dans ma vie. Aujourd'hui, je varie mes toiles avec des pierres semi-précieuses que j'incruste dans mes toiles, créant ainsi un véritable voyage au cœur de la sensibilité. Dans ce monde qui bouillonne, j'essaie d'être porteur de paix en laissant s'exprimer mes sens, ma sensibilité. Christine Gruyelle-Bergier a exposé dans plusieurs galeries, et dans des salons internationaux sur Paris. Pour acheter des tableaux christinegruyelle@hotmail.fr ou 06 17 87 89 78 www.christinegruyelle.blogspot.fr
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Jean-Luc Lavenir
Du 01-05-2017 au 01-09-2017
Jean-Luc Lavenir présente 35 photographies au CIEM entre mai et septembre 2017. Jean-Luc Lavenir est photographe indépendant, membre de l'Union des Photographes Professionnels, passionné de montagne et de grands espaces. Ingénieur de formation, il est éclectique dans son travail photographique et s'intéresse notamment à l'esthétisme caché des traces laissées par l'homme sur la nature (rouille, sites abandonnés, épaves, sites industriels...). Les photographies exposées au CIEM jusqu'en septembre sont issues de 4 séries d'images réalisées en 2015 et 2016. Illusions foraines : Représentation autour de l'illusion et de l'imaginaire Lumières industrielles : Beautés industrielles démasquées en transparence Le fil du temps : Recherche en image sur l'expression du temps qui passe Espaces naturels : Travail sur les éclairages et les matières dans la nature Jean-Luc Lavenir a exposé ses photos en France, au Benelux et en Scandinavie. Il participe actuellement à la réalisation d'un livre de portraits pour les éditions du Cherche-Midi et prépare plusieurs expositions à Paris. Pour acheter des tirages, jeanluclavenir@yahoo.fr ou 06.29.97.54.96 ou par l'accueil du CIEM Tirages originaux, encadrés, signés : 300 €  (40x50cm) ; 150 € ( 30x40cm)
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Yves Breton
Du 17-01-2017 au 30-04-2017
Une course dans la nuit. Une forme animée parsème de traces lumineuses sa fraction d'univers. Heurter le granit, fouler le sable, effleurer les fougères. Fendre les vagues, défaire un lit glissant d'algues endormies. Emplir une faille étroite, caresser un ruisseau, se baigner d'étoiles. Quelque part dans l'inconnu sombre et froid, quelque chose … a été. Toutes les photographies présentées ont été réalisées de nuit, en Bretagne, en forêt de Fontainebleau, et dans les Pyrénées. La lumière de la lune baigne généralement le paysage, sauf pour la série « Galaxies » réalisée par nuit noire. Toutes contiennent, de façon plus ou moins apparente, des traces laissées au moyen de petites sources lumineuses ; parfois d'un seul geste, et souvent dans l'accumulation de plusieurs instants dont les effets d'ombre ou de lumière ont été gardés (particulièrement dans la série « Photolithiques »). Ainsi, tout ce qui apparaît dans l'image est advenu dans la réalité : rien n'a été ajouté, ou déplacé, qui n'ait été saisi à la prise de vue dans l'espace cadré.
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Christine Barres
Du 07-09-2016 au 31-12-2016
Christine BARRES est née en Aveyron en 1960, elle se passionne pour l'art depuis son plus jeune âge et c'est tout naturellement que de sa passion est né son métier. Depuis plus de trente ans, elle peint au couteau de grands aplats de couleurs sur de grands formats. Peu importe le thème, tout est prétexte à la couleur. De ses expositions dans de grandes métropoles telles que New York, Shanghai ou Abu Dhabi, elle en a retenu le trait énergique de la verticalité, et n'a eu de cesse de peindre le monde urbain, d'un point de vue enchanteur. Christine BARRES a pour essentiel la couleur, le rythme et la matière. Son travail naît de la spontanéité, ses toiles nous offrent un déferlement de couleurs, l'impression est forte, il en émane une magique harmonie et une grande vigueur. Aujourd'hui, elle se tourne vers le portrait avec la même fougue qui la caractérise. Sa peinture est un bonbon, une vraie gourmandise, elle est à son image remplie de générosité et d'optimisme. «Libre de toute influence, je peins comme je suis. Je suis profondément liée à la couleur… Je la consomme sans modération, elle est force et sensibilité à la fois, généreuse, elle est ma vie, et j'aime la vie.»
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Corinne Gatel
Du 03-04-2016 au 31-08-2016
Les tableaux exposés ici appartiennent pour la plupart à la série de tableaux « Le Sacre après Pina », hommage à la danse et à la célèbre chorégraphe allemande Pina Bausch. Corinne Malfreyt-Gatel évoque à travers le mouvement des corps l'éternel retour des choses, de la disparition à la renaissance, de l'aboutissement au recommencement. Dans ce contexte, le printemps qui symbolise l'éternel renouvellement est une thématique chère à l'artiste. Le bourgeonnement, la naissance des fleurs, l'éclosion d'une nature jeune et forte, mais aussi plus métaphoriquement la naissance de l'amour, des parades amoureuses, des tendres tentatives d'approches, des danses de séduction constituent les images et références où vient puiser l'artiste. Forte de ce panel de sensations, Corinne Malfreyt-Gatel s'exerce ensuite sur la toile à retranscrire ces arrêts dans le temps en créant des effets de matière – coulures ou épaisseurs de peinture sur le fond, ajouts de grain de sable, traits de crayons marqués – qui viennent tout en finesse suggérer des silhouettes aux dominantes gris-bleu à l'image du renouveau du ciel de printemps. Fascinée par la dimension théâtrale et performative de la création artistique, Corinne Malfreyt-Gatel réalise, parallèlement à sa production picturale, des actions en public, des lectures de poèmes sur fond de musique ou des tableaux « en live », moments précieux durant lesquels se cristallise la notion d'échange, d'émotions vécues ensemble et partagées. Ainsi, le tableau exposé à l'accueil est une de ces toiles les plus récentes, « une Carmen » créée dans le cadre d'une collaboration artistique pour une nouvelle production du célèbre opéra de Bizet (Fort du Vert Galant, Wambrechies (59), spectacles juin 2016)
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Jeepy
Du 16-12-2015 au 30-03-2016
J'aime l'odeur de l'huile. J'aime mélanger les couleurs au gré de mes envies et de mes humeurs. J'apprécie les couleurs, leur intensité, leur puissance, les faire se heurter, s'opposer, se mélanger, pour créer des harmonies, des oppositions, des mouvements. J'aime les travailler dans la matière afin d'offrir des toiles en perpétuelle évolution en fonction des ombres, des contrastes et de la lumière captés par le relief ainsi créé. Je cherche au travers de la diversité des textures, le choix des matériaux, la variété des formats, l'explosion des couleurs, à vous amener dans mon univers. À partir d'une toile vierge, je suis toujours impressionné, de pouvoir au travers de mes créations, exprimer mes émotions et ma sensibilité. Mes peintures sont les multiples reflets de mes sentiments, pensées, pulsions et états d'âme. Elles sont l'expression de mes rêves, de mes envies, de mes doutes parfois. J'ai choisi l'art abstrait pour ne rien imposer, juste suggérer. Je ne prétends transmettre aucun message particulier mais simplement offrir des sensations visuelles pouvant procurer du plaisir, une sensation émotionnelle quelle qu'en soit l'origine et laisser votre imagination faire le reste. En exposant mes toiles j'aime faire partager le bonheur que me procure la peinture afin de pouvoir continuer encore et encore.
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Ludovic Mercher
Du 16-12-2014 au 17-04-2015
Né le 29 octobre 1970 à Roubaix, Ludovic Mercher est un artiste-peintre autodidacte qui vit et travaille en Vendée. Après avoir expérimenté pendant une dizaine d'années plusieurs techniques classiques (modelage, crayons noirs, huile), Ludovic Mercher atteint à partir de 2004 l'épure recherchée et affirme sa démarche particulière, résolument moderne. Il commence dès lors à être soutenu en galerie, ainsi bien en France qu'en Belgique. Ludovic Mercher utilise une palette volontairement dépouillée où le rouge et le noir dominent. Des jeux de matières (journal japonais, fibre de papier coréen, plaques de métal, rouille) lui permettent d'évoquer cette dualité : la ligne droite confrontée au paysage. Sur la toile, toute une géométrie humaine marque notre espace vital, des flux d'informations s'érigent en architecture. Alors que notre civilisation est sans cesse redéfinie par la technologie, l'artiste cherche à trouver l'équilibre par la force de l'imaginaire, entre matière et esprit.
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Marie Pierre Feyt
Du 01-09-2014 au 15-12-2014
Pour Marie Pierre FEYT, mue par « la nécessité de peindre l'humain », le portrait, « est un sujet graphique, une fenêtre côté cour ». « A travers le regard, il faut capter le silence des mots. La peinture sert de relai à des paroles retenues », faisant sienne la pensée de Montaigne. Il y a de l'infini dans un regard tout comme il y a de l'éternité dans le visage peint. Alors que son instantanéité inscrit irrémédiablement la photo dans l'immédiat, c'est la lenteur qui fait la peinture. « Le tableau, la sculpture façonnent le temps, et d'illusions ils bâtissent l'éternité d'un sourire ou d'une détresse ». Comme chez Cremonini, son professeur à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, les tableaux de Marie Pierre Feyt donnent souvent à voir comme au travers d'une vitre embuée, striée de la coulée des gouttes condensées dont la trajectoire hésitante laisse pour un temps l'avenir en suspens. Allégorie du temps qui passe.
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Michelle Boissonot
Du 15-04-2014 au 31-08-2014
Autodidacte, Michelle BOISSONOT n'est pourtant pas une novice dans le monde de l'art.Après un séjour à Tahiti, la jeune femme découvre la peinture et adopte un mode d'expression très coloré.Revenue en métropole, elle présente ses toiles dans plusieurs galeries et salons d'art contemporain.Son style a évolué au contact de l'artiste Hélène SEBIRE, pour devenir plus abstrait, moins coloré,simplifié pour mettre en valeur le message de l'artiste. Qu'il s'agisse du Marché d'Art Contemporainde Bastille ou du Salon d'Art Contemporain de Saint-Germain-en-Laye, ses oeuvres abstraites ne manquent pas de recevoir de nombreuses récompenses.  L'écrit est une trace laissée dans le temps, l'emprunte d'une vie, une pensée. Sur le papier,les mots véhiculent des concepts, évoquent des images. C'est à partir du pouvoir d'évocation des motset des écrits jaunis que Michelle BOISSONOT compose ses oeuvres. Elle dresse ainsi un autoportrait intime où les mots s'accrochent à la matière épaisse de la toile. Ils sont pris dans l'enduit, lacérés, recouverts à demi, mais continuent malgré tout de capter l'oeil du spectateur. Les cultures rappellent l'encre qui disparaît sur le papier, effaçant les souvenirs. Tout dans l'oeuvre de cette artiste est un jeu subtil entre disparition et persistance.  
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Marie Pierre Kuhn
Du 15-11-2013 au 14-04-2014
Les personnages occupent toujours la première place dans les tableaux de Marie-Pierre Kuhn, particulièrement les personnages féminins. L'hommage à la femme revêt divers aspects mais est une constante indéniable de ses créations. L'utilisation gaie et tonique de la couleur nous laisse sur une impression d'amour pour la vie et de bienveillance envers les êtres humains.
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