EXPOSITIONS - VENTES

Nous avons le plaisir de vous inviter à découvrir l'exposition exceptionnelle de deux artistes contemporains CALIZ & ZOSAN. Une immersion dans l'univers captivant de ces artistes qui repoussent les limites de la perception et de l'émotion à travers leurs oeuvres. CALIZ utilise la peinture à l'huile et des matières minérales pour créer des oeuvres axées sur la matière, la lumière et le mouvement. Son travail explore la profondeur et le relief, invitant le spectateur à une expérience tactile et visuelle. CALIZ explore la coexistence des opposés - matériel et spirituel, obscurité et lumière - offrant une expérience immersive et changeante, avec une énergie fluide et captivante. https://www.calizarts.com/ ZOSAN, artiste iconoclaste et énigmatique, s'affranchit des contraintes académiques pour explorer une matérialité mystérieuse et méditative. Guidé par la liberté et l'instinct, il recherche la synthèse harmonieuse, visant une forte charge émotionnelle. Ses œuvres se concentrent sur l'expressivité de la matière et la spontanéité du geste. Avant de se consacrer pleinement à la peinture, il a exploré diverses formes artistiques, incluant la vidéo, le collage et les NFT. https://zosanarts.wixsite.com/zosannaroz

Gérard JOURNO est né en 1954 dans la vibrante ville d'Alger. Sa passion a toujours été de dessiner, colorer, s'exprimer avec des crayons, fusains, feutres, pinceaux, et même par la photographie. Son parcours professionnel s'orientera sur la voie de la médecine, avec pour objectif de devenir pédiatre. Il n'a jamais abandonné cette soif insatiable de capturer la beauté à travers l'objectif, de peindre des tableaux vibrants, et de laisser ses émotions s'exprimer sur la toile. Son dessein artistique est clair : faire resplendir ses émotions à travers une explosion de couleurs et de formes, insuffler la vie aux objets inanimés, et rendre le vivant encore plus présent, car la couleur c'est la vie. Instagram : gerard_journo54

Avec finesse, délicatesse et poésie, Hugues Boucry à la faculté de nous transporter dans un monde de couleurs, rêvé et réel à la fois. Quelques herbes folles sur un tableau et nous pénétrons sur le tapis vert pour le fouler Une « lectrice » dans un cadre de verdure et de fraîcheur et nous la rejoignons dans le calme et la sérénité... Hugues Boucry est un artiste autodidacte au style impressionniste fauviste, lorsqu’il ne flirte pas avec l’abstrait expressionniste comme un oiseau libre. Ses battements d’ailes sont aussi précis qu’harmonieux dans leurs finesses. Son vol nous fait voyager au-delà des styles. L’artiste expérimente et partage sa vision de la liberté dans une poésie aussi fine que la pointe de ses plumes. Les émotions abstraites voyagent entres les plans, les motifs, puis le léger souffle nous emporte à notre tour.

Depuis 2012, je cultive ma créativité au sein de l'atelier Art d'être créé par Valérie Nunes. Ce rendez-vous artistique s'inscrit dans mon organisation rapidement, car c'est une évasion, un banc d'essais, l'expression d'un thème, des rencontres. Cette parenthèse artistique ou j'appose de la couleur, par touches, en nuance, en épaisseur et ou l'expérimentation et le lâcher prise sont encouragés. La peinture est un cheminement, une recherche ou la créativité n'a de limite que celle que l'on se donne...

Ma peinture vient d'une impulsion, d'une nécessité, d'une soif de créativité, d'un élan de création qui se nourrie de mes vécus internes, de mes expériences passées et présentes, de mes recherches constantes, de mon attrait pour la couleur, de mon accès à la rêverie et de ma sensibilité à la poésie. Etre en création, je le suis toujours, assurément en esprit, et en action dans le mouvement qui va de soi. Pas a pas, je suis le chemin artistique, en autodidacte. Ma route est parsemée de trésors simples, des outils, comme la splendeur de la brume, un bosquet odorant, le chant d'un vent secret, les traces à travers les nuages, l'odeur du ciel, le jour ensoleillé, le morceau de nature, la danse des fleurs qui virevoltent, la musique de la pluie... Depuis toujours je suis sensible à la nature et je cherche a peindre le ressenti indescriptible de mon état d'être. Il s'agit d'une démarche abstraite en lien avec la mère nature et mon âme véritable. La couleur est omniprésente, dynamique, vivante, posée, diffuse, transparente, mélangée. Avec mes trésors pleins les valises, j'emprunte les sentiers de régions inattendues, de vastes horizons poétiques. Je chemine tranquillement, par étape, vacille entre réel et imaginaire, avec joie, en ayant à l'esprit mon point d'encrage : "peindre, photographier, créer pour vivre, pour exister."

Née en région parisienne, Virginie Deluzet a fait ses premiers pas officiels en Espagne, à Barcelone ou elle y a vécu 5 ans. Au moment de faire un choix de carrière, elle est partagée entre l'art et les sciences humaines, elle choisit finalement une carrière d'ostéopathie. Après d'autres formations en poche (acupuncture traditionnelle chinoise, pédiatrie et neurosciences) elle est sollicitée pour enseigner l'anatomie dans une école supérieure à Paris. Elle diffuse alors en support de cours des dessins animés de biomécanique pour faciliter la compréhension de la physiologie articulaire. Arrivé à Barcelone en 2016, elle décide de dédier la plupart de son temps à la réalisation de peintures et de quelques sculptures. Son art est essentiellement abstrait, et semi figuratif, tantôt style asiatique, tantôt style urbain, et parfois, mixe les deux, sur une base de peinture acrylique sur toile en lin la plupart du temps. Elle accumule pendant ce temps de nombreuses peintures et décide de se lancer et d'exposer pour la première fois en 2020 sous les conseils d'artistes. Elle apprécie les oeuvres de Pierre Soulages, Leonard de Vinci et Raphael tant pour la technique que pour la symbolique. Etant passionnée de physique et physique quantique, elle y dédie d'ailleurs quelques toiles (Quantic Curve). Elle aborde une certaine philosophie de vie se résumant en une phrase : La culture du beau et du bon. Ses phases de créativités sont rythmées par ses émotions, ce qui donne à ses peintures une grande variété.

L'univers végétal est un des thèmes de prédilection de Valérie Auriel. Mais il ne s'agit pas d'une nature réaliste, plutôt d'une nature rêvée, idéalisée. L'artiste trouve son inspiration dans les forêts de contes de fées, les jungles foisonnantes des serres tropicales, les jardins multicolores... Son intention est de rappeler cette fragile beauté de la nature, qui séduisait tant nos regards d'enfant, et que nous oublions souvent, une fois adultes. Si sa peinture est figurative, elle n'est pas illustrative. Le plus important est de créer une atmosphère poétique ou mystérieuse. L'artiste mixe les techniques pour rendre la complexité du monde visible, suggérer l'invisible. Le collage est une de ses techniques favorites. Car il permet une variété d'expressions : papiers de soie colorés par ses soins, transferts photographiques, papiers naturels découpés… Elle l'associe à la peinture à l'huile ou acrylique...

À travers ses tableaux, Sadia Lugon nous emporte dans un monde doux et poétique, dans lequel ses personnages pudiques s'entremêlent au fil des saisons. Leur liberté, ainsi que la nôtre, sont dépeintes à travers art figuratif aux couleurs éclatantes et pourtant discrètes, nous faisant voyager vers de nouveaux mais néanmoins chaleureux horizons.

La decouverte des personnages extraordinaires et effrayants dans les contes et les flms feeriques tels "Alice au pays des merveilles" ou "Peau d'Ane", sont la perception d'une feminite qui se frotte a la dualite du monde magique et horrible. L'utilisation obsessionnelle de toutes les variantes de cette couleur girly dont sont affublees les petites flles est comme la "Chanson douce" de Leila Slimani, pour y glisser et s'y perdre. La feminite est une romance un peu desuete, une feur protegee par "Le Petit Prince", mais la Cruella et la maratre des contes de fees font surgir de leurs miroirs magiques ou de leurs miroirs aux alouettes les fantomes du desenchantement. La feminite c'est d'innombrables epreuves et une redoutable cruaute symbolisees dans les series de Sophie Lormeau par les ronces, serpents, plantes toxiques, taches, larmes, etc. Si delicate soit-elle, la rose aussi pique Diplomee en dessin textile et impression a l'Ecole Duperre puis en design mobilier aux Arts Decoratifs de Paris, Sophie Lormeau a explore differents mediums et tisse des liens entre les arts appliques et l'art contemporain. Cherchant a insuffer une ame aux choses, elle a deploye son ecriture artistique sur des objets "habites". Dans cet esprit, l'artiste a travaille pour Christian Lacroix, Nobilis, Habitat, Deshoulieres, collabore avec la presse feminine et durant seize ans avec Tokuko 1er Vol, une maison de couture japonaise.

Jean-François Laurent - JFL est né à Lille en 1975. Il peint avec son propre style depuis 1997 principalement avec de la peinture à l'huile sur châssis de toile. Il est inspiré par les lumières, les couleurs et les transparences. Son travail est influencé par les œuvres de Lyonel Feininger, Robert Delaunay ou Constantin Brancusi. Dans ses tableaux, Jean-François Laurent cherche à transformer les perspectives et la lumière pour montrer l'invisible, l'interdépendance des choses, des êtres et des objets. Les lignes s'entrecroisent, se coupent, se déforment pour donner une composition très structurée et pourtant parfaitement libre et détachée des règles. Le sujet, allant du figuratif à l'abstraction totale, reste comme perceptible par l'observateur qui peut se projeter dans ces formes familières, tout en se laissant la possibilité d'y voir ce qu'il veut y voir, et de ressentir ce qu'il veut. La lumière et les ombres sont partout dans la toile, pour que de chaque point de vue, la compréhension du tableau soit différente. Sa touche est précise, il travaille avec peu de matière et avec une gamme de couleurs réduite. Il cherche ainsi à faire vibrer la toile, à la rendre comme vivante et sensible à son environnement. JFL cherche à ce que chaque tableau soit à redécouvrir à chaque instant, que celui qui l'observe se laisse attraper par la composition, par les couleurs, par le mouvement et qu'à chaque fois il se laisse toucher comme si c'était la première fois. JFL a suivi une formation généraliste en arts plastiques entre 7 et 21 ans. Ce parcours lui a permis d'apprendre différentes techniques : aquarelle, pastels, fusain, peinture à l'huile ou encore sculptures en terre cuite. JFL est également ingénieur en agriculture et il a exercé plusieurs années dans la recherche et le développement dans l'agro-alimentaire. Cette formation scientifique et son intérêt pour la nature se retrouvent dans son travail de peinture.

Ayda-Su NUROGLU est une artiste plasticienne, intervenante en arts plastiques et art-thérapeute franco-turque vivant entre Paris et Sète. Elle travaille le dessin et plus largement l'image, essentiellement au moyen de techniques d'impressions manuelles dans une dynamique graphique. Son travail s'élabore ainsi depuis plusieurs années au gré de projet d'exposition, d'ateliers pédagogiques, d'édition, de commandes graphiques et se développe sur des supports multiples. Les travaux d'Ayda-Su NUROGLU établissent, bien sûr, un dialogue entre l'Orient et l'Occident, que ce soit par les formes ou les sujets qui affleurent sourdement de ses oeuvres. Mais elle n'est pas une « artiste du monde » comme voudrait nous le faire penser son itinéraire personnel et professionnel et comme voudrait le faire penser l'époque. Elle est une artiste des mondes, des infra-mondes. Nullement conceptuelles, ses recherches font remonter à la surface du papier des visions envoûtantes et sensuelles enfouies dans des nœuds symboliques, eux-mêmes intériorisés et refoulés par l'individu, constitutif de son identité profonde. Les formes opaques, en pointillés, superposées de ses créations entrelacent les civilisations, les genres et les espèces. Ces œuvres sont sauvages et rétives à tous les récits civilisationnels ; ce que nous livre Ayda-Su Nuroglu c'est un paganisme qui nous saute aux yeux et au ventre. Son paganisme fait tomber la pseudo nature des êtres et des relations et nous rappelle nos illusions et nos pulsions qui vagabondent quelque part entre l'homme et l'animal. Elle fait partie des Collectifs d'Artistes de la Maison de la Gravure de la Méditerranée de Montpellier ; de l'Atelier aux Lilas pour l'Estampe et la Typographie et des Artistes de Ménilmontant.

Franck LE BOULICAUT, artiste pluridisciplinaire, renoue depuis 2007 avec d'anciennes amours : la peinture. Ce créatif épris de lumière tente d'approcher à sa façon l'univers de ses nombreux modèles : Cézanne, Le Caravage, Sargent, Freud... Peint alla prima, ses tableaux aujourd'hui figuratifs, témoignent d'une rigueur dans l'équilibre de la composition - masses, placements, couleurs - et d'un goût affiché pour une certaine liberté dans la touche. Influencé par certains travaux de Betty Edwards Franck Le Boulicaut peint depuis 2013 ses tableaux à l'envers. Particulièrement efficace pour les portraits, cette méthode permet de s'affranchir de toute subjectivité en recentrant l'attention du peintre sur les seules directions, valeurs, couleurs et traitement. Sa palette, réduite aux seules couleurs primaires, confère à ses travaux un style immédiatement reconnaissable. Enfin, son insatiable curiosité lui permet d'explorer de façon décomplexée d'autres techniques propices à nourrir ses travaux : aquarelle, encre de Chine, acrylique, gouache et plus récemment pastel à l'huile dont la sélection présentée ici, au CIEM, témoigne. Membre de la Fondation Taylor et lauréat de nombreux concours il est représenté en Asie depuis 2018 par la galerie « Soleil-Art Gallery » à Taipei (Taiwan).

Elève de l'école CEPIADE à Boulogne Billancourt en 2000 puis parcours autodidacte grâce à un travail sur des techniques mixtes mêlant toutes matières et peinture acrylique. Séjournant entre la France et le Maroc, j'expose ainsi dans divers lieux. La plupart des œuvres vendues furent acquises par des particuliers ou institutionnels en France comme à l'étranger : Maroc, Scandinavie et Italie par exemple. A l'occasion de l'exposition « Wilde Impak » de décembre 2016, la revue « Maroc d'exception » s'est fait l'écho du travail de CCDL (annexe 1). Lors de l'exposition au « Mathurin » les organisateurs ont communiqué sur cet événement (annexe 2).

Christiane Dujardin a découvert la peinture acrylique en 2008 lors d'une initiation au maniement du couteau à peindre qui lui a fait apprécier le contact et le mélange des couleurs acryliques. Ce fut une vraie révélation Elle a poursuivi la pratique de cette nouvelle passion en autodidacte et a fait du couteau à peindre sa spécialité en utilisant l'acrylique pure lui permettant de créer de grands aplats et de modeler des surfaces parfois épaisses, la petite touche au pinceau venant fixer parfois les détails tels que les personnages, les chiens ou les mouettes, donnant ainsi au tableau toute son échelle. Cette exposition intitulée « LES TOILES DE MERS » présente des oeuvres figuratives qui résultent pour la plupart d'un travail réalisé en deux temps : tout d'abord, au fil de ses promenades le long des rivages ou dans les marais, l'artiste photographie à l'envi des images qui deviendront dans un second temps le canevas de ses peintures réalisées en atelier. Il en résulte des tableaux, parfois minimalistes, mais toujours empreints de lumière et de légèreté, inspirant la quiétude propice à la rêverie du spectateur et rappelant avec bonheur, pour une grande partie d'entre nous, des moments de vacances familiales à la mer.

Vincent Lithgow, né en 1969, a reçu une formation en peinture classique aux ateliers du Carroussel du Louvre et a suivi également des cours à l'Ecole des Beaux Arts de Paris. Son atelier est actuellement en Pays d'Auge, à Beaufour Druval. Son travail se situe dans l'esprit de la Seconde Ecole de Paris, mouvement d'art pictural lyrique baptisé d' «abstraction chaude» car il regroupait en même temps l'idée d'une simplification de la forme jusqu'à une certaine géométrisation et un vrai travail de peintre lié à l'utilisation de la peinture à l'huile, matériau traditionnel. Des peintres comme Nicolas de Stael ou Pierre Soulages ont fait partie de ce mouvement. L:espace pictural est ainsi simplifié avec de véritables mélodies visuelles qu'il s'agit de déconnecter de tout travail figuratif, de toute représentation de la réalité. Comme pour la musique, ce sont les associations et les contrastes de couleur, de rythme, de matière qui constituent le fondement de l'esthétique, des émotions et des évocations. Ce vrai travail de peintre est donc celui d'un matiériste, coloriste, et plasticien. Il considère la matière et la couleur à travers la vie et les contrastes qu'elles proposent comme des éléments picturaux primordiaux constituant la « dramaturgie» de la toile et son expressivité. Il a réalisé plus d'une vingtaine d'expositions à ce jour depuis 2006 et a obtenu en 2012, une cote officielle internationale suite à une vente aux enchères d'une œuvre réalisée chez Artcurial. Vincent Lithgow est également Compositeur de Musique.

Arrêter le temps Fixer une impression, un sentiment, un instant Expérimenter en toute liberté Libérer un geste Inventer des recettes Jouer avec l'eau et le charbon Se salir les mains Méditer Faire des choix Gérer l'imprévu Sauver la nature Exprimer un rythme Voyager Peindre

François Binet est peintre et copiste au Louvre depuis plus de quinze ans. Ces dernières années, il renoue avec la peinture et dessin de paysage, intérieurs, nature morte et portrait.

Architecte de formation, Claude Midas suit les cours d'aquarelle du peintre J.L. Morelle. Copiste au Louvre et à Orsay, il expose dans différents salons à Paris, en Province et à l'étranger. Il est primé à plusieurs reprises et crée des cartes de vœux pour de nombreuses sociétés.

Inspirée par les voyages dès mon plus jeune âge, en grandissant je me suis de plus en plus intéressé à la beauté des différentes cultures. Mes peintures représentent différentes régions et cultures du monde à travers le portrait de femmes, âmes divines et avatars de la beauté de nos différences. Ce qui m'inspire, c'est l'esthétique, les formes et surtout les couleurs. Pour conserver l'intensité des couleurs, j'applique la peinture à l'huile directement du tube sur la toile, sans les mélanger auparavant, ce qui leur donne luminosité et brillance, et me permet de conserver l'énergie brute de la couleur et de donner une sensation positive à mes peintures. J'utilise par ailleurs des formes géométriques pour exprimer les différentes facettes de l'humain. Inspirée par les voyages dès mon plus jeune âge, en grandissant je me suis de plus en plus intéressé à la beauté des différentes cultures. Voir comment parfois, en tant qu'êtres humains, nous manquons de tolérance et d'acceptation des différences m'a encore plus incité à mettre en valeur le meilleur des autres cultures. Mon travail actuel est le résultat de mon intention de dépeindre la beauté que je vois dans le monde. Mes peintures représentent différentes régions et cultures du monde à travers le portrait de femmes, âmes divines et avatars de la beauté de nos différences. Ce qui m'inspire, c'est l'esthétique, les formes et surtout les couleurs. Pour conserver l'intensité des couleurs, j'applique la peinture à l'huile directement du tube sur la toile, sans les mélanger auparavant, ce qui leur donne luminosité et brillance, et me permet de conserver l'énergie brute de la couleur et de donner une sensation positive à mes peintures. J'utilise par ailleurs des formes géométriques pour exprimer les différentes facettes de l'humain.

Guillaume Z. Amoureux de la nature et des grands espaces, je me suis mis à la photographie sur le tard, il y a cinq ans. Mon arrivée sur la côte basco-landaise, région particulièrement photogénique pour ses paysages, mais aussi ses lumières et ses ambiances, a été comme un déclic. J'ai mis alors timidement le pied dans ce début de passion, sans me douter qu'elle deviendrait à ce point dévorante en l'espace de quelques années. Autodidacte, j'ai appris seul les bases de la photographie, et me suis également intéressé à la notion de matériel, afin de m'y retrouver dans ce vaste monde ouvert au grand public. Après m'être essayé à divers systèmes, j'ai finalement jeté mon dévolu sur le format Micro 4/3, offrant à mon sens le meilleur compromis pour le baroudeur que je suis. C'est donc équipé d'un boîtier Olympus EM5 et de quelques optiques allant de l'ultra grand angle au petit téléobjectif que je pars à la découverte des beautés de ma région et de ses alentours. La photographie est alors une finalité à mes explorations, à la découverte d'endroits reculés, de joyaux plus ou moins cachés, que je m'efforce de capter quand la météo et les lumières sont les plus favorables pour donner une ambiance à mes images. Côté technique, j'utilise beaucoup les filtres dégradés permettant de mieux gérer l'exposition de mes scènes, et surtout les filtres gris neutre, permettant des poses longues. C'est une façon de capter une image, non pas sur un bref instant, mais plutôt sur une période allant de quelques secondes à quelques minutes, offrant alors une vision du paysage souvent inattendue, invisible à l'oeil nu alors que c'est pourtant là, sous nos yeux. J'aime ainsi, par mes images, offrir aux lecteurs une autre vision, inhabituelle, des paysages qui nous entourent.

La peinture de CANTOS se caractérise par structuration de l'image au moyen d'un maillage total ou partiel de lignes et de formes anguleuses apparentes, de densité variable. Cette maniére originale produit un effet de mosaïque plus ou moins affirmé que renforce souvent le faible contraste de tons entre les unités géométriques. Les formes sont simplifiées et les figures stylisées. L'oeuvre s'alimente à trois sources principales : • les écrits apocalyptiques ou bibliques, référence récurrente et ferment d'une réflexion éthique ; • les épreuves de la vie des gens ordinaires, souvent autobiographiques ; • l'actualité géopolitique avec les questions philosophique qu'elle soulève.

Les personnages occupent toujours la première place dans les tableaux de Marie- Pierre KUHN, particulièrement les personnages féminins. L'hommage à la femme revêt divers aspects mais est une constante indéniable de ses créations. L'utilisation gaie et tonique de la couleur nous laisse sur une impression d'amour pour la vie et de bienveillance envers les êtres humains.

Femme passionnée, en 1994, je me suis formée dans un atelier pour apprendre les matières (marbres, pierres semis précieuses). Ce fut un coup de foudre entre la peinture et moi. Depuis plus de 30 ans, je consacre mon temps à la peinture. Mon amour et ma passion pour celle-ci l'ont rendu indispensable dans ma vie. Aujourd'hui, je varie mes toiles avec des pierres semi-précieuses que j'incruste dans mes toiles, créant ainsi un véritable voyage au cœur de la sensibilité. Dans ce monde qui bouillonne, j'essaie d'être porteur de paix en laissant s'exprimer mes sens, ma sensibilité. Christine Gruyelle-Bergier a exposé dans plusieurs galeries, et dans des salons internationaux sur Paris. Pour acheter des tableaux christinegruyelle@hotmail.fr ou 06 17 87 89 78 www.christinegruyelle.blogspot.fr

Jean-Luc Lavenir présente 35 photographies au CIEM entre mai et septembre 2017. Jean-Luc Lavenir est photographe indépendant, membre de l'Union des Photographes Professionnels, passionné de montagne et de grands espaces. Ingénieur de formation, il est éclectique dans son travail photographique et s'intéresse notamment à l'esthétisme caché des traces laissées par l'homme sur la nature (rouille, sites abandonnés, épaves, sites industriels...). Les photographies exposées au CIEM jusqu'en septembre sont issues de 4 séries d'images réalisées en 2015 et 2016. Illusions foraines : Représentation autour de l'illusion et de l'imaginaire Lumières industrielles : Beautés industrielles démasquées en transparence Le fil du temps : Recherche en image sur l'expression du temps qui passe Espaces naturels : Travail sur les éclairages et les matières dans la nature Jean-Luc Lavenir a exposé ses photos en France, au Benelux et en Scandinavie. Il participe actuellement à la réalisation d'un livre de portraits pour les éditions du Cherche-Midi et prépare plusieurs expositions à Paris. Pour acheter des tirages, jeanluclavenir@yahoo.fr ou 06.29.97.54.96 ou par l'accueil du CIEM Tirages originaux, encadrés, signés : 300 €  (40x50cm) ; 150 € ( 30x40cm)

Une course dans la nuit. Une forme animée parsème de traces lumineuses sa fraction d'univers. Heurter le granit, fouler le sable, effleurer les fougères. Fendre les vagues, défaire un lit glissant d'algues endormies. Emplir une faille étroite, caresser un ruisseau, se baigner d'étoiles. Quelque part dans l'inconnu sombre et froid, quelque chose … a été. Toutes les photographies présentées ont été réalisées de nuit, en Bretagne, en forêt de Fontainebleau, et dans les Pyrénées. La lumière de la lune baigne généralement le paysage, sauf pour la série « Galaxies » réalisée par nuit noire. Toutes contiennent, de façon plus ou moins apparente, des traces laissées au moyen de petites sources lumineuses ; parfois d'un seul geste, et souvent dans l'accumulation de plusieurs instants dont les effets d'ombre ou de lumière ont été gardés (particulièrement dans la série « Photolithiques »). Ainsi, tout ce qui apparaît dans l'image est advenu dans la réalité : rien n'a été ajouté, ou déplacé, qui n'ait été saisi à la prise de vue dans l'espace cadré.

Christine BARRES est née en Aveyron en 1960, elle se passionne pour l'art depuis son plus jeune âge et c'est tout naturellement que de sa passion est né son métier. Depuis plus de trente ans, elle peint au couteau de grands aplats de couleurs sur de grands formats. Peu importe le thème, tout est prétexte à la couleur. De ses expositions dans de grandes métropoles telles que New York, Shanghai ou Abu Dhabi, elle en a retenu le trait énergique de la verticalité, et n'a eu de cesse de peindre le monde urbain, d'un point de vue enchanteur. Christine BARRES a pour essentiel la couleur, le rythme et la matière. Son travail naît de la spontanéité, ses toiles nous offrent un déferlement de couleurs, l'impression est forte, il en émane une magique harmonie et une grande vigueur. Aujourd'hui, elle se tourne vers le portrait avec la même fougue qui la caractérise. Sa peinture est un bonbon, une vraie gourmandise, elle est à son image remplie de générosité et d'optimisme. «Libre de toute influence, je peins comme je suis. Je suis profondément liée à la couleur… Je la consomme sans modération, elle est force et sensibilité à la fois, généreuse, elle est ma vie, et j'aime la vie.»

Les tableaux exposés ici appartiennent pour la plupart à la série de tableaux « Le Sacre après Pina », hommage à la danse et à la célèbre chorégraphe allemande Pina Bausch. Corinne Malfreyt-Gatel évoque à travers le mouvement des corps l'éternel retour des choses, de la disparition à la renaissance, de l'aboutissement au recommencement. Dans ce contexte, le printemps qui symbolise l'éternel renouvellement est une thématique chère à l'artiste. Le bourgeonnement, la naissance des fleurs, l'éclosion d'une nature jeune et forte, mais aussi plus métaphoriquement la naissance de l'amour, des parades amoureuses, des tendres tentatives d'approches, des danses de séduction constituent les images et références où vient puiser l'artiste. Forte de ce panel de sensations, Corinne Malfreyt-Gatel s'exerce ensuite sur la toile à retranscrire ces arrêts dans le temps en créant des effets de matière – coulures ou épaisseurs de peinture sur le fond, ajouts de grain de sable, traits de crayons marqués – qui viennent tout en finesse suggérer des silhouettes aux dominantes gris-bleu à l'image du renouveau du ciel de printemps. Fascinée par la dimension théâtrale et performative de la création artistique, Corinne Malfreyt-Gatel réalise, parallèlement à sa production picturale, des actions en public, des lectures de poèmes sur fond de musique ou des tableaux « en live », moments précieux durant lesquels se cristallise la notion d'échange, d'émotions vécues ensemble et partagées. Ainsi, le tableau exposé à l'accueil est une de ces toiles les plus récentes, « une Carmen » créée dans le cadre d'une collaboration artistique pour une nouvelle production du célèbre opéra de Bizet (Fort du Vert Galant, Wambrechies (59), spectacles juin 2016)

J'aime l'odeur de l'huile. J'aime mélanger les couleurs au gré de mes envies et de mes humeurs. J'apprécie les couleurs, leur intensité, leur puissance, les faire se heurter, s'opposer, se mélanger, pour créer des harmonies, des oppositions, des mouvements. J'aime les travailler dans la matière afin d'offrir des toiles en perpétuelle évolution en fonction des ombres, des contrastes et de la lumière captés par le relief ainsi créé. Je cherche au travers de la diversité des textures, le choix des matériaux, la variété des formats, l'explosion des couleurs, à vous amener dans mon univers. À partir d'une toile vierge, je suis toujours impressionné, de pouvoir au travers de mes créations, exprimer mes émotions et ma sensibilité. Mes peintures sont les multiples reflets de mes sentiments, pensées, pulsions et états d'âme. Elles sont l'expression de mes rêves, de mes envies, de mes doutes parfois. J'ai choisi l'art abstrait pour ne rien imposer, juste suggérer. Je ne prétends transmettre aucun message particulier mais simplement offrir des sensations visuelles pouvant procurer du plaisir, une sensation émotionnelle quelle qu'en soit l'origine et laisser votre imagination faire le reste. En exposant mes toiles j'aime faire partager le bonheur que me procure la peinture afin de pouvoir continuer encore et encore.

Né le 29 octobre 1970 à Roubaix, Ludovic Mercher est un artiste-peintre autodidacte qui vit et travaille en Vendée. Après avoir expérimenté pendant une dizaine d'années plusieurs techniques classiques (modelage, crayons noirs, huile), Ludovic Mercher atteint à partir de 2004 l'épure recherchée et affirme sa démarche particulière, résolument moderne. Il commence dès lors à être soutenu en galerie, ainsi bien en France qu'en Belgique. Ludovic Mercher utilise une palette volontairement dépouillée où le rouge et le noir dominent. Des jeux de matières (journal japonais, fibre de papier coréen, plaques de métal, rouille) lui permettent d'évoquer cette dualité : la ligne droite confrontée au paysage. Sur la toile, toute une géométrie humaine marque notre espace vital, des flux d'informations s'érigent en architecture. Alors que notre civilisation est sans cesse redéfinie par la technologie, l'artiste cherche à trouver l'équilibre par la force de l'imaginaire, entre matière et esprit.

Pour Marie Pierre FEYT, mue par « la nécessité de peindre l'humain », le portrait, « est un sujet graphique, une fenêtre côté cour ». « A travers le regard, il faut capter le silence des mots. La peinture sert de relai à des paroles retenues », faisant sienne la pensée de Montaigne. Il y a de l'infini dans un regard tout comme il y a de l'éternité dans le visage peint. Alors que son instantanéité inscrit irrémédiablement la photo dans l'immédiat, c'est la lenteur qui fait la peinture. « Le tableau, la sculpture façonnent le temps, et d'illusions ils bâtissent l'éternité d'un sourire ou d'une détresse ». Comme chez Cremonini, son professeur à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, les tableaux de Marie Pierre Feyt donnent souvent à voir comme au travers d'une vitre embuée, striée de la coulée des gouttes condensées dont la trajectoire hésitante laisse pour un temps l'avenir en suspens. Allégorie du temps qui passe.

Autodidacte, Michelle BOISSONOT n'est pourtant pas une novice dans le monde de l'art.Après un séjour à Tahiti, la jeune femme découvre la peinture et adopte un mode d'expression très coloré.Revenue en métropole, elle présente ses toiles dans plusieurs galeries et salons d'art contemporain.Son style a évolué au contact de l'artiste Hélène SEBIRE, pour devenir plus abstrait, moins coloré,simplifié pour mettre en valeur le message de l'artiste. Qu'il s'agisse du Marché d'Art Contemporainde Bastille ou du Salon d'Art Contemporain de Saint-Germain-en-Laye, ses oeuvres abstraites ne manquent pas de recevoir de nombreuses récompenses.  L'écrit est une trace laissée dans le temps, l'emprunte d'une vie, une pensée. Sur le papier,les mots véhiculent des concepts, évoquent des images. C'est à partir du pouvoir d'évocation des motset des écrits jaunis que Michelle BOISSONOT compose ses oeuvres. Elle dresse ainsi un autoportrait intime où les mots s'accrochent à la matière épaisse de la toile. Ils sont pris dans l'enduit, lacérés, recouverts à demi, mais continuent malgré tout de capter l'oeil du spectateur. Les cultures rappellent l'encre qui disparaît sur le papier, effaçant les souvenirs. Tout dans l'oeuvre de cette artiste est un jeu subtil entre disparition et persistance.  

Les personnages occupent toujours la première place dans les tableaux de Marie-Pierre Kuhn, particulièrement les personnages féminins. L'hommage à la femme revêt divers aspects mais est une constante indéniable de ses créations. L'utilisation gaie et tonique de la couleur nous laisse sur une impression d'amour pour la vie et de bienveillance envers les êtres humains.